Amachronique N°11, Saison 2 N°4 : Les maladies dans le jeu vidéo

Vous le savez, nous sommes confinés depuis maintenant près de 3 semaines. Cependant l’imagination humaine a donnée naissance à des épidémies ou des maladies bien plus horribles que le COVID-19. Pour cette 11ème Amachronique, je vous propose de découvrir différents jeux vidéos qui traitent de maladie, que ce soit sur un ton léger ou non. Avant de continuer, sachez que cet article peut potentiellement contenir des images assez choquantes, voilà, vous êtes prévénus.


Plague Inc va ajouter un mode où il faudra empêcher une épidémie ...

Ce que vous voulez : Plague Inc.

Forcément, quoi de mieux que le jeu où on contrôle une épidémie pour commencer ? Dans Plague Inc., vous êtes donc aux commandes de l’épidémie qui anéantira l’humanité. Mutations, propagations et destruction du réseau pharmaceutique vous attendent dans ce jeu à prendre au 5000ème degré !


N3DS_DrMarioMiracleCure_char_03 – Load the Game

Euh, un virus ? : Dr. Mario

Rien de très spécial à dire là-dessus, il s’agit d’un Puyo Puyo-like qui remplace les blobs par des virus colorés et des gélules elles-aussi colorés. Voilà. Il s’agit plus d’une introduction en douceur par rapport à ce qui nous attend par la suite


Les Infectés | Wiki The Last of Us | Fandom

Infection par Cordyceps : The Last of Us

Forcément, je me devait de parler de The Last of Us, un jeu auquel je n’ai pas joué (parce que c’est pas, mais alors pas du tout mon style de jeu), mais qui nous livre l’une des maladies les plus terrifiantes et réalistes du jeu vidéo. Car le cordyceps existe réellement dans notre monde, et bien qu’il ne touche pas les humais, mais les insectes, son mode de fonctionnement est identique.

Dès que quelqu’un a respiré des spores ou qu’il se fait mordre par un infecté, le cordyceps va se développer à l’intérieur de son nouvel hôte, qui passera par 4 stades : Coureur, Rôdeur, Claqueur et Colosse. Chaque stade fera perdre un peu plus son humanité à l’hôte, au fur et à mesure que le champignon prend possession de son cerveau. Durant le stade Coureur, le champignon est encore dans le cerveau de l’hôte, stade qui dure environ un an.

Une fois devenu un Rôdeur, le champignon sort du crane par les yeux. Cette phase est assez courte et dure à peines environ 2 semaines. Une fois que le champignon couvre entièrement votre crane, l’hôte développe l’écholocalisation et devient un Claqueur, pour finalement devenir au bout de 10 ans un Colosse, lorsque le cordyceps aura recouvert tout son corps. Le cordyceps dans The Last of Us se comporte comme un véritable parasite, qui pourrait très bien ressembler à une épidémie qu’on pourrait voire dans notre monde…


Peste orange

Peste orange : Hollow Knight

La maladie d’Hollow Knight ne possède pas vraiment de nom, mais j’aime beaucoup l’appeler la Peste orange. Il s’agit de la force antagoniste majeure du jeu, qui contrôle les ennemis et qui est contrôlée par Radiance, le boss final. Elle germe dans les rêves de l’infecté, qui va peu à peu perdre la raison pour retourner à ses instincts primaires.

Une fois cela fait, l’infecté va voir son corps se développer anormalement, devenir plus grand et plus puissant, tout en voyant des kystes oranges vif apparaître et ses yeux devenir orange. Et ça, c’est quand la peste ne prend pas possession d’un corps déjà décédé, qui se détériore bien plus vite que la normale. Vraiment une maladie qui m’a marquée, enfin ça c’est plus parce que son jeu m’a également énormément marqué.


Phazon | Metroidhunters Wiki | Fandom

Corruption par Phazon : Metroid Prime

Dans Metroid Prime, comme pour Hollow Knight, l’épidémie provient d’un minerai, décrit comme radioactif et étant doué de conscience animale, le Phazon. Il s’agit d’ailleurs du principal antagoniste de Metroid Prime 1, 2 et 3. Dans le premier opus, il est décrit comme un minerai hautement radioactif capable d’altérer le corps et la conscience des individus, en les rendant plus puissants et violents, tout en réduisant drastiquement leur durée de vie (le Pirate Oméga, individu hors Métroïde le plus infecté, a une durée de vie d’une semaine après sa transformation).

Le Phazon est d’ailleurs responsable de la disparition des Chozos sur Tallon IV, ayant corrompu leurs morts et ayant infecté la nouvelle génération. Cependant, si la Phazon a un rôle moindre dans Metroid Prime 2 (il est juste responsable de la duplication de la planète Ether), il revient sur le devant de la scène dans Metroid Prime 3, où il ressemble réellement à une pandémie galactique, s’attaquant à plusieurs planètes pour les corrompre une à une… Si le Phazon ne ressemble pas à une épidémie au premier abord, il en emprunte bien les caractéristiques et le comportement, surtout dans Metroid Prime 3.


WoW

Incident du sang corrompu : World of Warcraft

Celle-là, elle est très spéciale, car elle n’était absolument pas prévue par les développeurs du jeu. Laissez-moi vous parler de cet événement qui répond au doux nom de « Incident du sang corrompu »… 13 septembre 2005. Blizzard fait une mise à jour du jeu en ajoutant notamment un nouveau niveau, nommé Zul’Gurub et un nouveau boss, qui s’appelle Hakkar l’Ecorcheur d’Âmes, un nom tout mignon qui donne envie d’aller cueillir des coquelicots avec ce charmant bonhomme.

Plus sérieusement, ce boss pouvait infliger un malus nommé « sang corrompu » qui se transmettait de joueur en joueur. Une fois le boss vaincu, les joueurs étaient soignés de ce malus, mais pas leurs familiers, qui n’en subissait pas les conséquences (et faisaient donc officie de porteurs sains). De retour sur la carte du jeu, les joueurs appelaient leurs familiers et c’est ainsi que la première pandémie virtuelle commença.

Le sort était de très haut niveau, donc les joueurs les plus faibles se faisaient tuer en un coup par le sort, résultat, les villes étaient vite jonchées de cadavres, et la manière de jouer à WoW a donc été totalement modifiée : éviter les villes densément peupler (les PNJ pouvant transmettre le virus sans en subir les conséquences), venir en aide au joueurs infectés en les soignant, ou d’autres joueurs qui infectaient volontairement les autres.

Blizzard a essayé d’enrayer la maladie, en créant des zones de quarantaine, mais certaines personnes ne prenaient pas ça au sérieux (TIENS, TIENS, TIENS!!!). Au final cela aura duré une semaine et des médecins s’inspirent de cet événement afin d’étudier les pandémies actuelles et futures, et on peut dire que ça correspond plutôt bien à ce que l’on vit non ?

Amachronique N°10, Saison 2 N°3 : Les manettes les plus absurdes de l’histoire…

Bonjour à tous ! Afin de commencer tranquillement la semaine, je vous propose de revenir avec humour sur les manettes les plus absurdes de l’histoire du jeu vidéo ! Sur ce, allons-y !


La manette de la Jaguar

File:Atari-Jaguar-Controller-Flat.jpg - Wikimedia Commons

On commence avec un choix plus que douteux…. La manette de l’Atari Jaguar. Regardez-moi ce profilage, 90% de la manette qui ne sert… absolument à rien. C’est marrant comme les touches les plus utiles de la manette sont tout en haut, et que le reste ne serve à rien… Alors en vrai, on pouvait mettre un carton dessus pour « créer » d’autres fonctions. Mais sérieux, cette manette pue enfin…


Le Power Glove

Power Glove — Wikipédia

Vous ne vous êtes jamais demandé pourquoi les manettes existent ? Eh bien elles existent parce que le motion gaming, c’est quand même sacrément moisi… Et le Power Glove en est la preuve, près de 20 ans avant la Wii…. Mettez les 3 capteurs autour de votre écran, pointez votre bras pour que le perso avance, pointez le vers le haut pour qu’il saute et…. ça marche tout simplement pas. Ok, il y a une manette sur le gant pour vous aider, mais bon, une manette c’est quand même bien mieux….


Manette tronçonneuse

Manette tronçonneuse Resident Evil 4 chainsaw - Edition limitée ...

Une manette c’est cool ! Une tronçonneuse ça fait peur ! Alors une manette tronçonneuse pour Resident Evil 4 c’est une bonne idée non ? Alors, je reconnais l’originalité, le mec à l’origine du design qui a pris le temps de bien mettre des taches de faux sang un peu partout. Mais sérieux, déjà c’est la quintessence du mauvais goût, et puis ça a l’air juste injouable !! Une manette qu’il faut mettre dans une étagère, sans la sortir sous peine de choper une tendinite !


La Sega Saturn

Sega Saturn

La Sega Saturn est et restera l’un des échec les plus incroyables de l’histoire du jeu vidéo. Et si c’est en partie dû à l’absence de jeu 3D et de Sonic sur la machine de SEGA, on peut aussi reprocher ça à la manette qui pour le coup, justifie le nom de la console. On dirait une planète, elle est immense pour rien c’est incroyable… Une abomination


La manette sabre

Les Tauliers on Twitter: "Le sabre Onimusha 3 #LesTauliers… "

Je ne dirais qu’une chose : si tous les claviers et système de numérotations sur les téléphones utilisent des pavés numériques, c’est qu’il y a une bonne raison


Le prototype de la PS3

Image manette-boomerang-PS3 - GAMERGEN.COM

Oui, ce truc était sensé être le prototype de la manette de la PS3….. Oui ce truc, qui ressemble à un accessoire médical en mercure fondu… On taira le fait que 70% de la superficie de la manette ne sert à rien, pour se concentrer sur les sticks qui semblent inexistant et les gâchettes qui ont l’air aussi agréables que celles d’une copie indonésienne de la SNES


La manette biodégradable

Makey Makey : Créez votre manette de jeu | Independence Geek

Petit bonus, qui est plus débile que non ergonomique : le Makey Makey, qui permet de transformer n’importe quoi en manette. De la pâte à modeler au pull de tante Gertrude en passant par les pommes de terre de la soupe du soir, vous pourrez envoyer des Hadoken en appuyant sur un radis, des Final Smash en cliquant sur un panais et dézinguer du zombies en pressant une orange, elle est pas belle la vie ? C’est vraiment plus pour le côté fun que pour le plaisir de jeu, mais un mec a fini Dark Souls avec des bananes. Alors à vos fruits, personne ne possède le record sur Breath of the Wild !

Amachronique N°9, Saison 2 N°2 : Les 5 licences Nintendo oubliées que je veut revoir sur Switch

Bonjour à tous et bienvenue dans cette 9ème Amachronique. Tout d’abord, je tiens à m’excuser du retard qu’à pris cet article, qui devait initialement sortir le 15 mars, mais que je n’ai pas pu sortir à cette date car j’était quand même assez préoccupé par le contexte d’il y a une semaine (confinement tout ça, tout ça). Pour ce qui est d’hier, j’ai eu un gros coup de fatigue et un début de maladie, ça plus l’épisode 2 de l’Histoire de Nintendo qui a été compliqué à écrire, ça aide pas… Ainsi, l’Amachronique N°9 sort en ce début de semaine, sous une forme très réduite semblable aux Top M’en 5, je m’en excuse mais c’est comme ça… Bonne lecture à vous, on se retrouve demain pour un vrai Top M’en 5 !!

Punch-Out

PUNCH-OUT!! | Wii | Jeux | Nintendo

Nintendo n’a jamais été tendre avec ses séries de jeux de sport, leur préférant des dérivées de Mario, qui assurent des ventes convenables. Et Punch-Out est malgré elle devenue la leader de ses licences. Punch-Out est une série de jeu de boxe où on incarne Little Mac, qui cherche à devenir champion du monde de boxe.

Et ainsi, on se retrouve à affronter les représentants de chaque pays, à apprendre leur pattern, à attaquer au bon moment, à parer les coups… Vraiment Punch-Out est une excellente série, qui compte 3 jeux, Mike Tyson’s Punch-Out sur NES (1984), Super Punch-Out sur SNES (1995) et Punch-Out sur Wii (2009). Cependant Little Mac, le protagoniste, est bien plus connu aujourd’hui pour ses apparitions dans Smash Bros (Trophée Aide dans Brawl et jouable depuis Sm4sh) que pour sa série d’origine. Un Punch-Out jouable aux Joy-Cons en motion gaming ou avec une manette serait super cool non ?

Mother

TEST] EarthBound sur Super Nintendo - France Retrogaming

Alala, Mother…. Une licence légendaire qui ne compte pourtant que 3 jeux à son actif, donc 2 jamais sortis chez nous. La magie d’Internet comme on dit ? Reste que Mother est une licence qui est très aimé des fans, et que beaucoup aimeraient revoir sur Nintendo Switch. Il s’agit d’une licence de RPG qui compte 3 opus, Mother (1989), Earthbound/Mother 2 (1994) et Mother 3 (2006). La grande force de Mother c’est bien évidemment son ambiance, qui est bien plus sombre que ce qu’on pourrait croire. En espérant que sorte sur Switch le tant espéré Mother 4, et sachez qu’un test de Earthbound est en cours de rédaction !!

Excite

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Licence plus connue pour son premier jeu qu’autre chose, Excite est une licence vraiment obscure de Nintendo, mais que j’aime beaucoup. C’est une licence de jeu de course, qui est très vite tombée dans l’oubli, et c’est dommage…. En espérant qu’elle renaisse de ses cendres sur Switch, malgré la toute-puissance de Mario Kart…

Banjo-Kazooie

Banjo-Kazooie | Nintendo 64 | Jeux | Nintendo

Malgré le fait que ce soit aujourd’hui une licence Microsoft, Banjo-Kazooie a sa place dans le classement, étant né sur Nintendo 64. J’ai donc envie de revoir Banjo-Kazooie sur Switch. J’aimerais aussi que la licence évolue un peu, il faut dire que à part Mario, le platformer 3D a beaucoup de mal depuis 10-15 ans (coucou Yooka-Laylee 1) …. En espérant un Banjo-Threeie en bonne et du forme qui encore meilleur que Kazooie et Tooie, qui avaient eux de sérieuses lacunes sous certains points !!!

Golden Sun

Golden Sun | Game Boy Advance | Jeux | Nintendo

Licence de RPG qui a connue sa naissance et son âge d’or sur la GBA, Golden Sun est attendu par de nombreux fans depuis maintenant plus de 10 ans et un épisode DS qui avait divisé la fanbase. Pour ma part, j’espère un nouvel épisode, ou un remake sur Switch afin d’enfin pouvoir me lancer dans cette licence qu’on me décrit comme légendaire depuis tant de temps !

Amachronique N°8, Saison 2 N°1 : La nouvelle génération du Jump

Bonjour à tous et bienvenue dans cette première Amachronique de la saison 2 !! Oui, plutôt que d’appeler ça des Amachroniques V2, je me suis dit qu’une appellation de saison serait quand même bien mieux ! Ainsi, on commence en revenant sur le Jump et sa nouvelle génération qui s’annonce plus prometteuse que jamais. Sur ce, allons-y !

Agravity Boys

En novembre dernier, je vous parlais du Weekly Shônen Jump et de son système éditorial très spécial dans la 4ème Analytique du site. Cependant, le système du Jump, qui pour rappel met en concurrence constante ses mangas, assure aussi un certain niveau qualitatif, et ce que nous allons voir aujourd’hui, puisque je vais vous donner mon point de vue, mon avis et une courte analyse de chaque manga de la nouvelle génération du Jump.

Avant de commencer, je vais expliquer ce que j’entends par « nouvelle génération ». Pour moi, il s’agit de manga ayant moins de 200 chapitres, puisque j’estime que en 4 ans, un manga a largement le temps de se présenter, voire même de se conclure. Donc, on ne parlera que des mangas du Jump débutés depuis 2016, ne soyez pas surpris si je ne parle pas de Black Clover ou de My Hero Academia. Aussi, on va y aller par ordre d’ancienneté. C’est parti !


Yuna de la Pension Yuragi : 197 chapitres pour 20 volumes

On pourrait croire que avec mes critiques très positives sur Go-Toubun et We Never Learn que le genre de la romance est un genre que j’affectionne tout particulièrement. Et bien si ça tend à devenir vrai, sachez que je déteste les ecchi. Et Yuna de la pension Yuragi en est le parfait représentant. J’ai regardé les 6 premiers épisodes de l’anime, et j’ai détesté. J’en parlais dans ma critique des tomes 4 à 7 de We Never Learn, mais le fanservice à outrance n’est pas du tout mon truc.

Bon, voici quand même le synopsis : Kogarashi Fuyuzora est un lycéen fauché et sans le sou, qui arrive à la pension Yuragi en recherche d’un abri. Cependant, son abri est hanté par le fantôme de la belle Yuna. Kogarashi va très vite découvrir les secrets que chaque résidente de la pension cache… Concernant l’avancement du scénario, il semblerait que le boss final du manga ait été vaincu (ça reste un shônen), et niveau classement et vente, le manga dégringole.

Le tome 20 s’est vendu à 58 000 exemplaires en 4 semaines (pour un total de ventes d’environ 4 millions) et au niveau des classements dans le Jump, le manga est en fin de sommaire depuis quelques mois. Le cap des 200 chapitres approche, il risque de se finir d’ici peu, c’est moi qui vous le dit. Le manga est disponible chez nous chez Pika Edition.

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Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba : 196 chapitres pour 19 volumes

Forcément, on commence par l’incroyable, le sublime, inarrêtable Demon Slayer qui de semaine en semaine banalise l’incroyable en rattrapant One Piece petit à petit. Celui qui était un manga avec un gros potentiel il y a un an est devenu le leader incontesté de cette nouvelle génération. 40 millions de ventes en quasiment 4 ans de parution c’est dingue.

Concernant le synopsis, il nous introduit Tanjiro Kamado, jeune livreur de charbon, qui retrouve sa famille assassinée par un démon, à l’exception de sa sœur Nezuko, qui en est devenu un. Tanjiro va rejoindre les rangs des pourfendeurs de démons afin d’espérer trouver un remède pour ramener sa sœur parmi les humains. Un scénario classique, mais qui réserve beaucoup de surprises, l’auteure n’a pas attendu le succès pour dévoiler tout le potentiel de sa série.

Le manga est actuellement dans son arc final, il est publié en France chez Panini Manga, il a déjà marqué l’histoire, bref, Demon Slayer est vraiment le nekketsu phare de la nouvelle génération. Côté ventes, le tome 19 frôle les 2 millions de ventes en un mois de ventes, et côté classement, il est deuxième au niveau global de 2020 derrière One Piece. Cependant, le manga risque de se finir dans l’année, le combat contre le boss final ayant accéléré, même si les tomes 20 et 21 sont déjà bouclés. Demon Slayer va donc finir en beauté ! Je trouve la réussite de la série incroyable, elle qui échappée de peu à un arrêt prématuré, finir parmi les étoiles de l’histoire du Jump, c’est beau bordel !

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The Promised Neverland : 169 chapitres pour 18 volumes

The Promised Neverland est l’autre leader de cette génération. Plus de 16 millions de copies vendues pour 18 volumes, et des classements excellents dans le Jump, sans compter qu’il a bénéficié d’une adaptation animée en début d’année dernière, qui aura donné un léger boost à ses ventes avant que l’ouragan connu sous le nom de Demon Slayer arrive.

Voici le synopsis : Emma, Norman et Ray sont trois orphelins qui vivent à l’établissement de Grace Field House sous la protection de leur « Maman ». Cependant, ils vont un jour découvrir la macabre réalité de Grace Field, et vont tout faire pour s’en échapper. The Promised Neverland est, comme Demon Slayer, en plein arc final, autant dire qu’il risque de ne pas finir l’année. Mais la 2nde saison de l’anime prévue pour fin 2020 risque de redonner un petit coup de boost aux ventes.

Le manga est disponible chez nous chez Kazé. The Promised Neverland reste l’une des têtes d’affiche de cette nouvelle génération, mais il pourrait nous quitter très bientôt…

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We Never Learn : 149 chapitres pour 15 volumes

Il y a une semaine, je vous aurais dit que We Never Learn approchait grandement de sa fin, la révélation majeure autour de la futur femme de Nariyuki étant proche. Sauf que le mangaka a annoncé vouloir faire 4 autres fins avec chacune des héroïnes, afin de satisfaire tous ses fans. Certains trouvent cela inutile, d’autre aiment beaucoup, je suis plus dans le 2ème camp.

Mais même si We Never Learn restera finalement plus longtemps dans le Jump, niveau ventes ce n’est pas encore ça. On sent clairement que le manga a souffert de sa concurrence directe avec Go-Toubun no Hanayome, manga du même type qui a marqué l’histoire de son genre. Sans oublier que les 2 saisons de son animes n’ont pas réussis à booster le manga, sans doute car la comédie romantique est un genre moins grand public que le Jump (et aussi parce que Demon Slayer était dans le coin).

Résultat, en 15 volumes, We Never Learn a 3,3 millions de copies en circulation, soit environ 220 000 copies par tome. Un chiffre honorable, mais pour un manga qui a eu 2 saisons de son anime, c’est un peu moins bon (surtout que l’anime a crée une fin originale, donc peu de chance de voir une saison 3).

Mais malgré tout, voici le synopsis : Afin de soutenir financièrement sa famille, Nariyuki Yuiga travaille dur afin d’obtenir une bourse universitaire. Son rêve se réalise lorsque son proviseur accepte, à condition qu’il devienne tuteur de Rizu Ogata, de Fumino Furuhashi, et plus tard de Uruka Takemoto, trois génies qui cherchent à obtenir des facs dans des domaines où leurs résultats sont déplorables. Nariyuki arrivera-il à encadrer ses élèves, qui commencent petit à petit à développer des sentiments pour lui ?

Vraiment, lisez We Never Learn, vous ne serez pas déçus. Le manga est disponible chez Kazé.

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Dr. STONE : 141 chapitres pour 14 volumes

Dr.STONE est clairement une étoile montante de cette génération. Ayant fêté ses 3 ans la semaine dernière, Dr.STONE est un shônen vraiment très atypique.

Voici son synopsis : Senku regarde par la fenêtre de son club de chimie son ami Taiju, qui s’apprête à faire sa déclaration à leur amie d’enfance Yuzuhira. Soudainement, toute l’humanité se fait pétrifier et Senku se réveille en l’an de grâce 5738, la Terre ayant absorbée les restes de la civilisation humaine. Senku et Taiju vont devoir rebâtir leur monde, en partant de zéro. Un scénario assez original, et qui peut sembler assez…. spécial aux premiers abords.

Mais Dr.STONE est un très bon manga, avec un très bon scénario et un dessin excellent, en même temps c’est signé Boichi. Clairement Dr.STONE a un énorme potentiel, et c’est très bien exprimé par ses classements et ses ventes. Niveau classements, le manga est quasiment constamment dans le top 5 du Jump, et niveau ventes, c’était du 3 millions pour 13 volumes, mais le 14ème a fait un excellent démarrage, sans doute le boost de l’anime qui commence enfin.

Une série à lire, disponible chez nous chez Glénat.

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Act-Age : 103 chapitres pour 10 volumes

Voici une autre série avec un très gros potentiel : Act-Age. 10 tomes pour un peu plus de 2 millions de ventes, soit 200 000 exemplaires par tome, et c’est normal, vu le synopsis de la série.

Kei Yonagi est une jeune lycéenne qui rêve de devenir actrie et qui vit seule avec son jeune frère et sa sœur suite au décès de leur mère. Lors d’une audition, elle révèle son talent pour la méthode Stanislavski, et elle est embauchée par Sumiji Kuroyama. C’est le début d’une incroyable ascension pour Kei. Clairement, je pense que Act-Age est déjà un incontournable. Son côté marginal, ses dessins, son scénario…. Lisez Act-Age, non mais vraiment, lisez Act-Age !!

Côté classement, c’est malheureusement en dents de scie, mais uniquement parce que le côté lecture hebdomadaire se prête mal au manga je trouve. Les 2 premiers tomes débarqueront chez Ki-Oon le 2 avril prochain

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Jujutsu Kaisen : 97 chapitres pour 9 volumes

Et on passe sous la barre symbolique des 100 chapitres avec Jujutsu Kaisen, nekketsu prometteur du magazine, qui aura son adaptation animée cette année !

Voici son synopsis : Chaque année, plus de 10 000 personnes meurent de causes inexpliquées ou sont portées disparues au Japon. Dans la majorité des cas, ce sont des fléaux, des esprits maléfiques, qui en sont la cause. C’est ce que va découvrir Yuji Itadori, lycéen membre du club de spiritisme, qui pour survivre, avale un doigt de Sukuna, démon légendaire à 2 visages. Le voilà possédé par ce dernier, mais Yuji arrive à reprendre le dessus. Afin de ne pas être exécuté par les exorcistes, il doit (et non pas doigt, petit jeu de mot), réunir et absorber tout le corps de Sukuna avec ses nouveaux alliés.

On va être clair, Jujutsu Kaisen est intrigant plus qu’intéressant, en tout cas sur ses 2 premiers tomes, disponibles chez Ki-Oon. Des classements excellents dans le Jump, 2,5 millions de ventes au début de l’année, avant la parution simultanée de ses tomes 8 et 9, bref Jujutsu a tout pour devenir un fer de lance du magazine. Pour ma part, je ne suis pas conquis, mais j’achèterai la suite, car la série a un potentiel certain.

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Chainsaw-Man : 60 chapitres pour 5 volumes

On passe à la seule nouveauté de 2019 qui a vraiment trouvée son public : Chainsaw-Man ! Série à la limite du seinen, Chainsaw-Man est fun, déganté et agréable à lire.

Je vous présente vite fait son scénario : Afin de payer ses dettes, Denji est embauché en tant que Devil Hunter avec son chien tronçonneuse, Pochita. Cependant, après une trahison, il est obligé de fusionner avec lui pour survivre et il devient un être mi humain-mi démon tronçonneuse. Le voilà recruté par une organisation secrète qui lui assure un niveau de vie convenable, avec en échange de la traque de bestioles ragoutantes !

C’est vrai que dit comme ça, ça ressemble un peu au speach de Jujutsu Kaisen, mais ça en est tout autre. Chainsaw-Man est gore et ça en devient fun, comme une partie de God of War. Et le public est au rendez-vous, avec plus d’un million de ventes en 5 volumes et des classements plus que corrects dans le magazine ! Le tome 1 sort le 11 mars chez Kazé, soyez au rendez-vous et faites vrombir votre tronçonneuse intérieure !

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Samurai 8 : 40 chapitres pour 4 volumes

Voilà le nouveau manga de Masashi Kishimoto, l’illustre auteur de Naruto. Et Samurai 8…. peine à convaincre. Depuis le début de l’année, Samurai 8 est constamment à la fin du sommaire, dans les 3 derniers, soit dans les mangas les plus en danger.

Ses ventes sont, elles, correctes pour une nouvelle série, mais très faibles quand on prend en compte l’impact du nom de Kishimoto. Il est clair que Samurai 8 ne réussit pas là où on l’attendait. La série a voulue poser un univers trop complexe dès le début, le dessin est vraiment trop clair et le scénario parfois un peu brouillon mais sinon, ça tient plus ou moins la route. Malgré tout, le manga est actuellement sous perfusion, survivant uniquement grâce au nom de son scénariste (Kishimoto ne dessine pas), avec des volumes qui se vendent tous moins bien que le précédent.

Voici leur classement journalier selon Shoseki (un institut qui publie les ventes quotidiennes japonaises) :

  • V1: 30 — 43 — 51 — 36 — 62 — 69
  • V2: 40 — 49 — 58 — 40 — 68 — 77
  • V3: 40 — 49 — 53 — 64 — 88 — 101
  • V4: 44 — 67 — 76

Chaque volume baisse par rapport au précédent, et on dirai que ça s’est même accéléré avec le 4ème…. Samurai 8 réussira-il à survivre ? Sans être pessimiste, la réponse semble être toute trouvée…

Mitama Security : Spirit Busters : 27 chapitres pour 2 volumes

On s’attaque aux séries sur lesquelles j’aurais moins de choses à dire, puisqu’il s’agit de jeunes séries et que bah je ne les lis pas forcément (je vais même regroupes les 5 dernières séries).

Mitama Security a un grand soutien des éditeurs. Déjà 2 numéros avec des doubles chapitres, un 2ème volumes sorti rapidement après le premier (qui fait des scores bien plus faibles, 209ème sur son 3ème jour chez Shoseki). Concernant le synopsis, je vais vous partager celui du site MangaPLUS, traduit bien sûr : Rena, une lycéenne, a toujours vue des fantômes.

Elle s’y est habituée et ça ne la dérange plus. Sauf qu’un jour, un agent de sécrité nommé Mitama apparaît et jure de protéger Rena en vers et contre tout ! Un synopsis assez intéressant mine de rien. La série a de très bon classement dans le magazine, elle était 3ème la semaine dernière, c’est dire ! Si Mitama arrive à remonter la pente niveau ventes, sa survie est assurée !

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Mission of Yozakura Family (26 chapitres pour 1 volume)

Voici l’autre nouveauté de fin 2019, qui a un bilan ironiquement à l’opposé de Mitama : des classements assez moyens, mais de très bonnes ventes pour une nouveauté.

Voici son synopsis : Taiyo Asano est un lycéen très timide, qui est uniquement capable de parler avec son amie d’enfance, Mutsumi Yozakura. Cependant, il s’avère que Mutsumi fait partie d’une famille d’espion et qu’elle est surprotégée par son frère ! Comment Taiyo va-il réussir à voir Mutsumi ? Pour avoir lu les 3 premiers chapitres sur MangaPLUS, c’est vraiment excellent. Le manga est très très bon, et ça se reflète dans les ventes. Un très gros potentiel, j’espère que tu survivra longtemps Yozakura !!

ZIPMAN!! (12 chapitres), Agravity Boys (11 chapitres), Undead Unluck (7 chapitres), MASHLE (6 chapitres) et Guardian of the Witch (5 chapitres)

Je réunis les 5 derniers mangas ensemble car ils sont tous plus ou moins dans la même situation : leur contact avec le public se fait uniquement par le magazine, leur premier tome n’étant pas encore paru. On va les aborder un par un.

ZIPMAN!! a clairement le bilan le plus négatif pour l’instant : 12 chapitres et un classement des plus mauvais, constamment dans le trio de fin. Le manga ne semble pas plaire du tout et d’après ce que j’ai vu, le scénario accélère et semble déjà être dans son arc final !

On y suit les aventures de Kaname, jeune policier tête brulée et celles de son frère Koshiro, ingénieur en mécanique frappé d’une tragédie très étrange, dans leurs combats contre des robots. Même le scénario donne pas envie.

Bref, il semble être déjà en train de faire ses valises, à moins que son tome 1 se vendre bien, ce qui semble impossible vu comment il ne fonctionne pas en prépublication.

Agravity Boys a pour l’instant un bilan bien plus positif. 3 chapitre notés et pour l’instant, il se stabilise autour de la 8ème place, ce qui est pas mal !

Voici son scénario : L’année 2118… 4 jeunes hommes sont en voyage interstellaire pour repousser les limites du territoire de l’humanité. Cependant, les voilà aspirés par un trou noir et ils atterrissent d’urgence sur Alpha Jumbro, pour y établir un colonie humaine. Cependant, comment vont-ils développer une civilisation humaine ?

Un manga vraiment très fun à la lire, je vous le conseille les yeux fermés; En espérant que son tome 1 illustre ses bons classements dans le magazine, il mérite de survivre !

Undead Unluck connaîtra son premier classement noté cette semaine, et il semble déjà bénéficier d’un soutien des éditeurs.

Un compte Twitter, une « sortie d’urgence » en avril pour son tome 1…. Assez mystérieux tout ça.

Le scénario est assez simple : une fille malchanceuse (Unluck) rencontre un homme pervers et immortel (Undead) alors qu’elle s’apprête à se suicider. C’est le début d’une drôle d’odyssée ». Honnêtement, j’accroche pas du tout, mais si le manga arrive à trouver son public, tant mieux pour lui (on notera qu’il y a un petit côté ecchi, peut-être pour préparer la relève de Yuna ?)

Concernant MASHLE et Guardian of the Witch, je n’ai pas grand chose à dire.

Les 2 mangas sont sur le thème de la magie, le premier est un manga comique où un homme bodybuildé sans magie arrive dans une école de magie et le deuxième est un nekketsu. Voilà. Ils ont encore quelques semaines avant de rentrer dans le classement, et il n’y a pas l’air d’avoir de gros soutien comme avec Undead Unluck. Donc, à suivre !

Merci à tous d’avoir lu cette première Amachronique de la saison 2 ! Autre nouveauté de la saison, je vais vous partager 2-3 chaines Youtubes, blog wordpress ou compte Twitter en lien avec le thème de l’Amachronique.

Otakulte : J’en ai déjà parlé, mais Otakulte fait un boulot dingue. Classements et actu du Shonen Jump chaque dimanche, le tout avec une voix suave et agréable à écouter !

Floriano : Floriano fait un travail incroyable sur son blog « Parlons Manga ». Allez voir ce qu’il fait, tout de suite !

Weekly Shonen Jump : Le compte Twitter non officiel du Shonen Jump, qui relaie toutes les actus (en anglais).

Amachronique N°7 : Super Smash Bros

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Alors que Twitter est en feu, avec l’annonce de Byleth en personnage pour Smash Ultimate (moi j’aime bien beuh !!!!!), je vous propose de revenir sur mon antécédent avec la série tout en analysant les épisodes.

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Alors je vais être clair : Je suis né en octobre 2002 (oui j’ai pas connu le franc), je suis donc plus jeune que Smash 64 et Melee. Mais je vais tout de même parler de ces épisodes, Melee étant un incontournable du côté de l’esport Smash, resistant encore et toujours au passage du temps tandis que en tant que fan de retro-gaming, je ne pouvais pas passer à côte d’au moins une session sur Smash 64. Sur ce, allons-y !!

Avant de partir dans le détail de chaque épisode, il est important de revenir sur la genèse de Super Smash Bros, qui est tout de même aujourd’hui la série de jeux de combats la plus vendue de tous les temps ! Eh oui !!

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Masahiro Sakurai, créateur de Smashet l’une des seules personnes au monde à être atteinte de vieillissement inversé, avec Araki et Marcus

Super Smash Bros est donc né dans la tête de Masahiro Sakurai, connu pour être justement aujourd’hui le grand manitou de la série. Au départ, Sakurai voulait créer une alternative aux jeux de combats à la Street Fighter qui dominaient les salles d’arcade, à savoir le genre du fighting game en 1VS1 avec des combos à la quart de cercle et tout… C’est ainsi que Sakurai mit au point, durant ses temps libres car il était employé de HAL Laboratory (studio de Kirby notamment), un prototype de jeu, nommé « Kakuto-Geemu Ryuoh », plus connu sur le nom de « Dragon King : The Fighting Game », dont voici une image ci-dessous !!

Super Shmash Bros Kakuto-Geemu Ryuoh - Prototype 2

Alors oui, ça ne donne absolument pas envie, mais il faut noter que les fondamentaux de la série sont là : les pourcentages et les plateformes. Et c’est avec ce prototype que Smash naîtra, quelques temps après, Sakurai ayant entre-temps demandé à Satoru Iwata l’autorisation de mettre les personnages de Nintendo dans le jeu. Super Smash Bros sort donc en 1999 sur Nintendo 64 dans un lancement assez confidentiel au Japon, Nintendo ayant peur que le jeu fasse un four.

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Une autre époque

Le jeu, sorti début 1999 au Japon puis au fur et à mesure de l’année dans le reste du monde. Il se sera donc écoulé à 5,5 Millions d’exemplaires à travers le monde, c’est donc un incroyable succès. On retrouve donc 12 personnages, 8 débloqués d’office (Mario, Donkey Kong, Link, Samus, Yoshi, Kirby, Fox et Pikachu) et 4 a débloquer (Luigi, Ness, Captain Falcon et Rondoudou). D’ailleurs, pour l’anecdote, chacun des 4 personnages déblocable est basé sur un autre.

Ainsi si Ness est le seul perso déblocable à peu près « original », Luigi est basé sur Mario, Rondoudou sur Kirby et Captain Falcon sur….. Samus. Oui, sur Samus, tout en reprenant des attaques de « Dragon King : The Fighting Game ». Au final, Smash 64 est un bon jeu, voilà. Je ne l’ai pas connu donc j’ai pas beaucoup d’anecdotes à dire….

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2ème épisode de la série à sortir (en 2001/début 2002 selon les régions du monde) sur Gamecube, Super Smash Bros Melee est souvent considéré comme l’épisode qui aura propulsé la série au sommet, avec plus de 7 Millions d’exemplaires. Le jeu intègre donc 26 personnages, en ramenant les 12 personnages de Super Smash Bros tout en ajoutant 14, donc en nouveaux-venus : Bowser, Peach, Zelda, Sheik, Ice Climbers, Mewtwo, Marth, Mr. Game&Watch, Pichu, Roy, Falco, Dr. Mario, Link Enfant et Ganondorf.

Côté mode de jeu, on retrouve donc comme dans Smash 64 le mode classique, succession de combats, mais aussi le mode aventure, succession de niveaux plus typés Plate-forme….. Sans oublier le côté compétitif de Smash Melee, mais ça reste mon antécédent avec la série et je fais peu de compétitif. Mais allez Hungrybox, j’adore ton Rondoudou !!

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Et voilà le Smash qui m’a accueilli, le premier auquel j’ai joué. Je me souviens encore de mon premier match avec Pikachu chez un pote sur le temple de Zelda…. Ahhh, les souvenirs…. Puis j’ai acquis mon exemplaire du jeu et l’intégralité de son contenu colossal s’offrait à moi. J’ai délaissé Pikachu pour Kirby, que je joue encore aujourd’hui, les combats étaient dingue, le mode solo était astronomique (le meilleur de la série à ce jour), l’éditeur de stage était marrant à utiliser… Bref, jouez à Brawl, c’est un excellent jeu !!!

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Smash 4….. Alors je vais être clair, niveau combat, Smash 4 surpasse de loin ses prédécesseur : il est plus fluide que Brawl et plus complet que Melee. Mais niveau contenu pur….. C’est là que ça pèche. Disparition pure et simple du mode solo, «  »remplacé » » par un mode de jeu à la Mario Party totalement fumé, un éditeur de stage plus complet mais encore une fois assez limité et un mode classique modifié pour le pire…

Smash 4 est décevant et pourtant, c’est sur lui que j’ai le plus passé de temps avec mes amis. Je me rappelle encore des soirées endiablées à jouer sur des stages remplis de laves, à faire des Miis totalement fumés (on avait fait une collections de Miis Undertale pour vous dire)…. Bref, j’aime Smash 4, voilà.

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Bon, pour ce qui est du côté technique, j’ai fait un test sur Ultimate. Pour ce qui est de mes souvenirs sur le jeu, ils sont en soit assez faibles, la bande de potes avec qui je jouait à Smash 4 s’est lentement séparée au fur et à mesure du temps. Mais Ultimate est cool, oui. Ultimate est un bon jeu, mais sans plus.

Oui, il n’y aura pas de top Amachronique aujourd’hui. L’Amachronique d’aujourd’hui était sensé être sur My Hero Academia, mais avec tout le bruit autour de Byleth dans Smash, j’ai décidé d’en profiter. Mais sachez que lundi sortira une nouvelle chronique, centré sur les top comme vous les aimez (peut-être).

Amachronique N°6: The Legend of Zelda

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Les fêtes sont terminés, certains commencent à ranger le sapin, mais pour ma part, l’article du jour honorera le vert, puisque on va parler, pour la dernière Amachronique de l’année, de The Legend of Zelda, saga légendaire qui m’a accompagné tout au long de mon enfance et qui continue à se tenir à mes côtés.

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Mon premier Zelda

Pour les 3-4 incultes qui comprennent pas ce qu’est Zelda, je vais vous faire un rapide topo, en commençant par la genèse de la licence. The Legend of Zelda est donc une licence née en 1986 et crée par Shigeru Miyamoto, qui est également le créateur de Mario, comme quoi il est plus à une licence légendaire près.

Le premier jeu Zelda sort donc en 1986 sur NES, et c’est directement un succès ! 6,51 Millions de ventes et des critiques élogieuses, un vrai succès. Puis une suite sortira en fin de vie de la NES, et une autre sur SNES…. Et Zelda deviendra très vite une licence phare de Nintendo, et sera même propulsée tout en haut du panthéon du jeu vidéo en 1998 avec The Legend of Zelda: Ocarina of Time.


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Un donjon de Zelda I

The Legend of Zelda est donc une série de RPG qui prend généralement place dans le monde de Hyrule, contrée parfois très développé, parfois complètement sauvage, mais toujours parsemée de monstres, de PNJ et de Donjons.

Car Zelda c’est non seulement un gameplay génial et peaufiné depuis quasiment 35 ans, mais c’est aussi une ambiance qui est très particulière et qui change d’un jeu à l’autre. En jouant à Majora’s Mask, vous vous sentirez très probablement assez mélancolique, en jouant à Breath of the Wild, vous aurez envie de partir explorer la forêt la plus proche, en jouant à Twilight Princess, vous aurez envie d’enfourcher un cheval et de partir à l’aventure. Chaque Zelda est à la fois unique et connecté à ses prédécesseurs, c’est incroyable !!

Surtout que chaque Zelda est un très bon jeu (Ne parlez pas de la Triforce de la honte, mais genre vraiment, n’en parlez pas !!). Et c’est ça que j’adore dans The Legend of Zelda: le fait qu’ils arrivent à se renouveler encore et encore, après plus de 30 ans tout en rendant hommage à l’histoire de la série.

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La chronologie de la série Zelda, sans Breath of the Wild qui est à part

Parce que Zelda a réussi à se créer une mythologie à travers ses jeux: on peut penser aux origines divines des 3 élus de la Triforce, Link, Zelda et Ganondorf; au destin funeste d’Hyrule dans la Timeline de la défaite, des multiples théories qui fourmillent sur le net (mais qui ont également leurs défauts, on en reparle bientôt)…. Bref, j’adore Zelda pour son gameplay, basé sur de l’exploration avec des objets à utiliser, pour son OST qui compte des dizaines de morceaux mémorables dans toutes la saga, pour ses personnages mémorables, tels que Midona, pour sa longévité… Zelda est sans doute la série de jeu vidéo qui m’a le plus marquée, et qui m’accompagne encore aujourd’hui.

Passons désormais au top Amachronique, qui s’offre aujourd’hui un relooking. Dans la mesure du possible, le top Amachronique sera désormais accompagné d’une tier-list. Voici donc ma tier list des jeux Zelda ! Je précise que plus un jeu est proche de la lettre du tier, plus il est bien classé, et on va procéder de tier en tier, en partant du plus nul.

Tier F: The Legend of Zelda: Phantom Hourglass

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On va être clair, je trouve Phantom Hourglass décevant, et à peine correct. Le jeu, qui se vendait en s’autoproclamant « suite de Wind Waker » ressemble plutôt à une création assez ratée, avec notamment un manque de liberté énorme. Comptez également le fait que le méchant est plus que ridicule (sérieux, un poulpe ?) et qu’on est obligé de refaire un donjon plusieurs fois…. Pour moi le plus mauvais Zelda

Tier E: The Legend of Zelda: TriForce Heroes

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Je le trouve un peu mieux que Phantom Hourglass celui-là. Le côté multijoueur amène un petit plus, les objets inédits sont sympatoches, les costumes sont tous très bien trouvés…. Un jeu qui reste tout de même correct à cause de plusieurs défauts, tels que le mode solo injouable ou sa durée de vie, assez faible…

Tier D: The Legend of Zelda: Four Swords et The Legend of Zelda: The Adventure of Link

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Bon Zelda 2… C’est un jeu difficile à juger, pour la bonne raison qu’il est vieux, très vieux !! Je vais prendre sa défense en disant que non, ce n’est pas un mauvais jeu sous prétexte que que la grande partie de son gameplay, c’est du side-schroller. Zelda 2 est un bon jeu, voilà. Il est très cool, il est difficile, et c’est très très bien !!

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Pour ce qui est de Four Swords, c’est un peu plus simple: je met le jeu ici pour son originalité, en tant que 1er Zelda multijoueur. Four Swords est agréable à parcourir, c’est un fait, mais il reste que très basique, donjon plats, objets trop classiques… Par contre, à partir de maintenant je vais abréger les titres des Zeldas pour pas que ce soit trop trop long

Tier C: Zelda: A Link Between Worlds, Zelda: Oracles of Age and Seasons et Zelda: Four Swords Adventure

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Four Swords en mieux. Un meilleur scénario, des graphismes bien plus aboutis, un gameplay bien plus agréable à prendre en main…. Bref, FSA est pour moi le moins bon des très bon Zelda. Il reste très agréable à parcourir, mais il a des défauts inexcusables pour prétendre être un excellent Zelda: sa division en niveaux à la Mario, je suis désolé mais c’est impensable.

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Seuls Zeldas à être sortis en deux versions à la Pokémon, avec + de spécificité, les Oracles sont les Zelda de la Game Boy Color: la technologie de la GBC est donc mise en avant, à travers le sceptre des Saisons, qui permet de changer de saisons (et donc de couleur dominante dans l’OverWorld), et la Harpe des Âges, qui permet de voyager d’époque en époque. En soit ces Zelda sont très bon….. mais ils sont trop « lisses ». Il n’y a pas d’éléments dominants qui ressortent de ces Zelda, à l’inverse de tous les autres. C’est ce qui m’empêche de les mettre + haut.

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Premier Zelda de la 3DS, c’est une suite/remake de A Link Between Worlds. On retrouve donc la mécanique des 2 mondes, qui est amputé d’une partie de son scénario (Perle de Lune pour garder apparence humaine). Malgré tout ALBB reste très agréable à parcourir. Le jeu est beau, la musique est entraînante.. Mais on est constamment pris d’un sentiment de déjà-vu en le parcourant, et c’est très dommage…

Tier B: Zelda Skyward Sword, Zelda Spirit Tracks et Zelda 1

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Il est plus là par aura que par qualité du gameplay. On va être honnête, Zelda 1 a très, très bien vieilli, il reste très jouable, même à l’aube de l’an 2020. Il est certes très difficile et pour le finir, il faut y aller, mais tout gamer qui se respecte se doit d’y avoir joué au moins 1 fois !!

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Phantom Hourglass en mieux… Voilà. Le donjon principal qu’on est plus obligé de se retaper en entier à chaque fois, une nouvelle mécanique intéressante avec le fantôme de Zelda, et une OST juste géniale !!!! Un jeu à faire, l’un des meilleurs de la DS !!

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Oui, vous pouvez ne pas aimer Skyward Sword, mais pour ma part, c’est un Zelda que j’aime beaucoup. Voilà. J’aime bien l’aspect « origine » de Skyward Sword, les origines de la Master Sword, le personnage de Fay… Seul défaut, le gameplay parfois hésitant et les zones, trop petites.

Et puis arrivent les 3 derniers tiers. Et j’arrête le top Amachronique ici, puisque je pourrais le faire durer encore 10 ans vous disant pourquoi j’adore tous ces jeux…. Même toi Phantom Hourglass…

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Merci à toi Miyamoto, merci d’avoir créer The Legend of Zelda, licence légendaire !! Et merci à vous d’avoir lu cet article.

Amachronique N°5: Shokugeki No Soma

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oui bon, c’est le retour des 45 couleurs de cheveux comme dans Kuroko no Basket

Aujourd’hui, sortez les couteaux et mettez un tablier, on s’intéresse à Shokugeki no Soma, plus connu sous le nom « Food Wars » chez nous (nom que j’utiliserai pas car je l’aime pas voilà) manga qu’il ne faut absolument ne pas lire le ventre vide!

Shokugeki no Soma est donc un anime shônen centré sur la cuisine, oui la cuisine. Il a été prépublié dans le Weekly Shônen Jump entre novembre 2012 et juin 2019. Le manga s’est achevé cet été pour un total de 36 volumes, paru en France aux éditions Tonkam. On y suit l’histoire de Yukihira Soma, jeune lycéen qui gère avec son père un restaurant de quartier, le Yukihira. Cependant, vient un jour où Saiba Joichiro, père de Soma, décide de fermer le restaurant pour aller cuisiner dans des restaurants de luxe à travers le monde, tout en inscrivant Soma à l’académie culinaire de Tootsuki. C’est ainsi que débute l’un des mangas les plus improbables, où les héros ne s’affrontent pas avec des boules d’énergie ou avec des pouvoirs surnaturels, mais avec des omelettes, des ramens, des currys et des soufflés.

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L’héros et l’héroïne, Soma Yukihira et Erina Nakiri

On est donc face à un manga très typé manga de sport, mais qui parle de cuisine. Et le pire c’est que ça colle à la perfection: étant donné que c’est un manga qui réutilise des codes du manga de sport et du coup, il y a des entraînements, qui s’apparentent ici à des apprentissages de techniques de cuisines, voire des styles (Soma par exemple, qui se spécialisera dans la cuisine française avec l’arc du Stage), et aussi des compétitions, ici représentés sur la forme des « Shokugeki », qui veut dire « Bataille des chefs », ce qui donne « Soma de la Bataille des Chefs ». Enfin bref, les Shokugeki c’est des duels de cuisine en 1VS1 où les deux participants doivent créer un plat par rapport à un thème (par exemple un thème qui demande d’utiliser le même ingrédient, d’utiliser tel ou tel style de cuisine ou de faire un plat de tel ou tel type, comme un sushi ou un bentô). Et en plus du duel, il faut ajouter des récompenses de valeur égales des deux côtés. Et c’est ça qui rend Shokugeki no Soma très bon: le fait que ce soit un excellent manga, qui nous montre des duels de cuisine épiques mais surtout le fait que la cuisine soit un domaine qui parle à quasiment tout le monde. Elles sont rares, les personnes qui n’ont jamais cuisinés sur Terre, croyez-moi.

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Bon bah ça y est, j’ai faim…

Mais ce qui fait la grande force de Shokugeki no Soma, c’est son visuel classique et accrocheur, mais aussi ses personnages (sans oublier le fait que les personnages finissent à poil à chaque Shokugeki, et qu’il y a 75% de personnages féminins). Shokugeki no Soma est donc un manga accrocheur, qui est magnifique, tellement magnifique qu’il donne faim si vous regardez un Shokugeki le ventre vide. Et ce qui est vraiment cool, c’est que chaque personnage a son style de cuisine spécifique: on a Soma Yukihira, le héros, spécialiste dans la cuisine au style « Yukihira » (faire de la cuisine de luxe avec des ingrédients d’entrée de gamme, pas cher quoi), Megumi Tadokoro, la fille un peu fleur bleue, spécialiste dans la cuisine des légumes et du bien-être (elle apaise les palais), Erina Nakiri, le « palais divin », à la cuisine parfaite grâce à son sens du goût qui est parfait. On a aussi Alice Nakiri, cousine d’Erina (et accessoirement mon personnage préféré mais on s’en fiche un peu), spécialiste de la cuisine moléculaire, Rindô Kobayashi, qui utilise des aliments plus « exotiques » (comme de la viande de crocodile)….

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Les couvertures juste magnifiques…..

Shokugeki no Soma est donc un manga qui réussit car il nous apprend énormément de choses sur la cuisine, tout au long de ses 36 tomes, mais aussi, car il donne ENVIE DE CUISINER. Et c’est ce qui est pour moi là où se mesure la réussite d’un manga shônen: l’envie de devenir tel le personnage principal. Et je précise bien que c’est pour moi un caractère de réussite de shônen car dans un shôjo, le héros est souvent banal, et dans un seinen, il est très souvent en difficulté voire en danger de mort. Et bien pour Shokugeki no Soma, on a envie de cuisiner, d’enfiler notre plus beau tablier et comme Soma, d’essayer tout ce qui nous passe par la tête dès qu’on se retrouve aux fourneaux. Car Shokugeki no Soma est un excellent manga, sans aucun doute l’une de mes meilleures découvertes de 2019. Et j’ai deux regrets vis-à-vis de Shokugeki no Soma: le premier, c’est que la fin soit aussi bâclée et rushée, que les éditeurs aient étés aussi impitoyables avec un pilier de leur magazine présent depuis plus de 5 ans (surtout pour lancer des nouveautés qui ont toutes flopées, merci mais non merci…). Mon deuxième regret est de ne pas avoir découvert Shokugeki no Soma avec son anime… J’en parle juste en dessous tout en vous mettant, ce qui est pour moi la meilleure OST de la série, la 30ème musique de la série, « Food Battle Start!

Non mais franchement, ça a l’air de sortir de One Piece ou de JoJo, pas d’un anime où y’a un gros plan sur un perso qui cuit des œufs !!

Car oui, Shokugeki no Soma possède un anime, soit un argument de plus pour vous y mettre. Ainsi, l’anime possède à ce jour 4 saisons (5 si on considère les 2 parties de la saison 3 comme 2 saisons, vu qu’il y a une pause de 4 mois entre les deux). Ainsi la saison 1 fait 24 épisodes, la saison 2 en fait 13, chaque partie de la saison 3 en fait 12 (pour un total de 24) et la saison 4 en fera apparemment 25 (et des rumeurs d’annonce d’une saison 5 courent sur Internet, mais bon, réponse ce week-end à la Jump Festa). Et puis bon, cet anime est juste excellent. Comme vous avez pu l’entendre plus haut, l’OST est juste sublime (pour les OST, j’ai juste mis « Food Battle Start! », mais j’aurais aussi pu parler de « Isshiki’s Theme », qui utilise avec brio des instruments traditionnels japonais, ou de « Rebels » et « Competition » définitions même de l’epicness musicale qui ont tout sauf l’air de sortir d’un anime culinaire, mais plutôt d’un Final Fantasy. Si vous voulez écouter ces OST, copier-collez leur titre sur YouTube précédé de « Food Wars »).

C’EST UN ANIME CULINAIRE NOM DE DIEU !!!!!

mais en plus de ça l’animation est plus que fluide et on voit que la Shueisha n’a pas sous-estimé le potentiel de l’anime en allouant suffisamment de budget à l’animation. Ainsi on a droit à Soma qui fait sauter ses oeufs avec une musique épique derrière (voir plus haut), à des combats entre les cuisiniers qui utilisent des plats pour se battre…. J’en dirai pas plus, regardez l’anime !!! Mais si l’animation est de bonne qualité, elle n’est jamais transcendante et on regrettera même par moment une utilisation de plans fixes (notamment dans la scène que je vous ai mise plus haut), et même si ça reste très fluide et super agréable à suivre, c’est dommage….. Bon sinon, passons à quelque chose qui est et restera positif: le Top Amachronique !!! Cette semaine, je vais vous livre non pas mes secrets de grand-mère pour faire des crèpes, mais bien mes 5 arcs préférés de Shokugeki no Soma !!

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Hop là, image de transition avec Alice Nakiri, meilleur personnage du manga pour moi.

Mes 5 arcs préférés de Shokugeki no Soma:

5- L’arc du camp d’Entraînement de Tootsuki

Camp d'entraînement de Tōtsuki Friendship and Rapport

Cet arc représente en gros les premières « vraies » péripéties auxquelles doivent faire face Soma et ses amis (parce que bon faire fuir des agents immobiliers ça va 2 minutes). Ainsi, cet arc qui apparaît tout gentil, un camp d’entraînement ça a l’air sympa, se révèle très vite être un cauchemar: tout échec à une épreuve sera sanctionné d’une exclusion pure et simple de l’établissement Tootsuki…. Ce qui a pour moi mis cet arc au top, c’est que on voit Soma perdre un Shokugeki et faillir rater une épreuve, et moi, j’aime quand les héros galèrent

4-L’arc du Festival de la Lune

Derrière ce nom d’arc qui ressemble à un arc très shôjo se cache en réalité le premier arc de la saison 3: c’est le festival de Tootsuki et les élèves sont donc invités à participer. Si certains se lancent des challenges un peu stupide (Rindô qui cherche à goûter chacun des 150 stands), les possesseurs de stands obtiendront des points bonus si ils font des bénéfices et…. seront exclus si ils finissent dans le rouge (le premier qui fait une référence à JoJo, c’est non). Reste que cet arc est le premier qui fait s’affronter Soma et un membre du Conseil des 10 (les 10 plus puissants élèves de Tootsuki), donc c’est forcément cool.

3-L’arc des Stages

Je dois être l’un des seuls hurluberlus à généralement préférer les arcs d’entraînement aux arcs de « combats » dans les shônen. Et l’arc des Stages illustre parfaitement ce que j’aime: des stages où les étudiants doivent aider le personnel, sinon…. ils sont virés (c’est bien vous commencez à comprendre comment marche Tootsuki). Si j’avais un peu peur avec le premier des deux stages, vu qu’il mettait Soma dans son domaine de prédilection, avec le deuxième où il se retrouve dans le restaurant de cuisine française de Shinomiya, à qui il a laissé très mauvaise impression lors des stages, je me suis dit qu’il y avait moyen pour que l’arc devienne génial. Et c’est le cas. Un apprentissage intensif et court, un maître dur, Soma qui galère…. Franchement c’est super cool

2-L’arc de l’élection d’Automne

Le deuxième arc de ce classement est donc le premier « tournoi » de Shokugeki no Soma. Déjà il est génial parce que il introduit Alice Nakiri (c’est une qualité je vous dit), mais aussi parce que Soma perd (vous commencez à comprendre ce que j’aime) et que les tournois, eh bah c’est quand même vachement cool !!

1-L’arc du Shokugeki Régimental

Et ouais, ce que on pensais être l’arc final de Shokugeki no Soma est premier. Je dis arc final car il réglait toutes les intrigues en cours et répondait à toutes les questions qui étaient en suspens. Un autre tournoi, cette fois entre deux équipes, un peu façon Battle Royal, avec d’un côté les héros et de l’autre le Conseil des 10… Juste incroyable. Plusieurs dizaines de chapitres de pur bonheur pour une conclusion à la hauteur, que je pensais et que j’espérait être la fin de la série, mais bon, si vous avez lu la première Analytique sur Saiba Asahi, vous savez ce qu’il en est….

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Fin du top alors on remet Alice CQFD

Au final, devez-vous lire Shokugeki no Soma ? Clairement oui, un grand OUI même. Le manga est juste excellent et reste très bon malgré une baisse de qualité sur son arc final… Donc allez-y, lisez le manga ou regardez l’anime, ayez faim en regardant un Shokugeki, ayez envie de faire des plats 5 étoiles avec juste un couteau… Lisez Shokugeki no Soma, c’était Amano, au revoir !!

Merci d’avoir lu cette Amachronique dédié à une de mes plus grosses découvertes de l’année. Je vous rappelle qu’à partir de demain, le 20 décembre 2019 et jusqu’au 31 décembre 2019, vous pourrez retrouver un article supplémentaire par jour sur CulturChronicles. Alors à demain pour le Test de la semaine et le début de cette vague de fin d’année !!

Amachronique N°4: Nanatsu no Taizai/Seven Deadly Sins

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Les Seven Deadly Sins. De gauche à droite: rang du haut: Escanor, Merlin, Gowther, Diane. En bas: Ban, Meliodas et King

Aujourd’hui Amachronique qui me tient particulièrement à cœur, car on va parler de Seven Deadly Sins, un manga qui m’a marqué, et pas forcément pour les bonnes raisons. Je vais un peu vous parler de ma vie mais quand j’étais encore en primaire, avec mon meilleur ami on était très fan de manga (on parlait très souvent de One Piece et on allait à la Japan Expo ensemble, accompagnés bien sûr, respectez les règles au quotidien bande de chenapans) et justement, avant que nos goûts et nos parcours scolaires nous séparent, il m’avait conseillé Seven Deadly Sins, manga que j’avais trouvé très mauvais à l’époque. Mais voyant le succès croissant du manga, je me suis tant bien que mal motivé à m’y mettre, en espérant tant bien que mal que j’allais aimer, afin de ne plus avoir de regrets par rapport à ça. J’ai donc regardé toute la saison 1 et…. ça m’a plu. J’ai donc enchaîné sur la saison 2 et sans m’en rendre compte, j’avais rattrapé tous les scans. Donc si tu passe par ici, très cher ami dont je tairai le nom, je tiens à m’excuser pour ce que j’ai pu dire à l’époque…

Mais arrêtons de parler de moi et retournons à l’oeuvre de Nakaba Suzuki. Seven Deadly Sins, c’est quoi ? Eh bien c’est un shônen qui prend place dans un univers d’héroïc-fantasy médiévale. Comprenez par là qu’il s’agit d’une histoire de héros qui combattent des créatures, souvent d’origine démoniaque. Et bien c’est exactement ce que fait Seven Deadly Sins, sauf que sa particularité réside dans ses personnages, tous très bien développé. Pour dire, même les personnages les plus secondaires et même le personnage mascotte qui sert un peu de gag ambulant ont un développement… C’est pas génial ??

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Même ce truc a un développement….. ET EN PLUS IL EST TRES REUSSI !!!!

Seven Deadly Sins brille donc par la qualité de ses personnages, ok, mais qu’en est-il de son scénario ? Parce que c’est cool d’avoir des personnages super cools et tout, mais quand ton scénario pue ça sert à rien… Et dans le cas de Seven Deadly Sins, je dirais que le scénario est excellent sur la 1ère partie, bon sur la deuxième, et moyen puis nul puis tout pourri puis « MêmeCyrilHanounaFeraitMieux » (je fais ce que je veux c’est mon site)… Alors en soit si les protagonistes ne sont pas à l’origine de la décadence de Seven Deadly Sins, et bien qu’est-ce qui a pu causé son déclin ? Pour moi, il s’agit sans aucun doute de ses antagonistes. Si les antagonistes des deux premières parties, Hendrickson et les 10 Commandements sont excellents, on ne peut pas en dire autant des antagonistes de la 3ème partie. Hendrickson était excellent surtout par rapport à sa fonction narrative: réaliser la transition vers les véritables « méchants » de l’histoire, et c’est quelque chose qu’il a réalisé avec brio. Et de leur côté, les 10 Commandements excellaient car ils étaient de parfaits opposés aux Seven Deadly Sins, au point où certains Commandements avaient des armes et des comportements semblables à ceux des Sins (Galan, qui a un super design d’ailleurs).

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Très bon antagoniste
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Rentre chez ta mère bordel !!!

Car le problème actuel de Seven Deadly Sins est un problème qui était très courant chez les mangas à succès et que on croyait disparu: les scénarios rallongés. Mais je vois quelques petits malins me dire « Mé Komen Ons Peh Aitre Sur Ke Leu Menga A Eté RalonG ? ». Et pour contrer cet argument, plus que foireux, au même niveau que les « Bah vas-y fait mieux », il ne faut pas chercher bien loin, Nakaba Suzuki avait déclaré fin 2018 vouloir mettre fin à son manga au 40ème volume, ce qui nous donnait une fin durant l’été, ce qui concordait avec une autre de ses déclarations, vers le chapitre 315. Or on est début décembre, et le dernier chapitre paru, le 335, commence l’arc du « Roi du Chaos » (ces noms à coucher dehors sérieux). Osez me dire que le manga a pas été rallongé. Osez me dire ça alors que Suzuki a annoncé ça alors que l’arc de l’époque, qu’on pensait naïvement être l’arc final, était avancé à plus de 50%. Osez me dire ça alors 7 des 8 personnages principaux avaient une conclusion au chapitre 333. Même une fin là, j’aurais toléré. Les Seven Deadly Sins (ouais c’est le nom du groupe de héros) étaient en paix, et Suzuki avait même mis en place des relations amoureuses demandées par les fans… Franchement je comprends pas. Le pire, c’est qu’il continue alors que les ventes de son manga fondent comme neige au soleil et la saison 3 de l’anime n’arrive même pas à stabiliser les ventes.. Et honnêtement ça me fait mal. ça me fait mal parce que je n’ai pas envie de finir Seven Deadly Sins avec le même sentiment d’amertume en bouche que lorsque je l’ai commencé.

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Elizabeth, héroïne du manga

Mais revenons un peu dans le positif, et par positif, j’entends les personnages du manga. Seven Deadly Sins a donc l’excellente idée de prendre 8 personnages principaux: les Seven Deadly Sins, qui se trouvent tout en haut de l’article et Elizabeth Liones, princesse du royaume de…. Liones, qui se trouve ci-dessus. On pourrait croire que avec 8 personnages à développer, la trame narrative va se perdre en chemin… Et non, même pas. Tous les personnage ont leur moment de gloire et leur flashback, c’est vraiment très réussis. Mais je ne vais pas trop en parler et réserver cela pour mon classement des personnages principaux dans le Top Amachornique:

Mon Classement des 8 personnages principaux de Seven Deadly Sins:

8-Merlin:

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Si le principe du personnage est très bon, une sorcière à la puissance virtuellement infinie, grâce à son pouvoir magique « Infinity »,et qui est encore et toujours en recherche de connaissance… Sauf que Suzuki en a fait un Deus Ex Machina ambulant et à force, c’est frustrant… Dommage car le design et l’histoire du Sanglier de la Gourmandise sont intéressants

7-Escanor:

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Clairement j’ai hésité à faire la différence entre sa forme « Nuit » et sa forme « Jour » tellement les deux s’opposent… comme le jour et la nuit (riez svp). Escanor est donc le Lion de l’Orgueil, au pouvoir croissant le jour mais ridiculement faible la nuit, au point d’être même inférieur à celui de Hawk, le cochon gag-ambulant. Et autant j’aime beaucoup le background d’Escanor, ses pouvoirs et son « caractère nocturne », mais le ton méga hautain qu’il prend sous sa forme Jour me dérange.. Après oui, c’est le Péché de l’Orgueil, c’est normal..

6-Diane:

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Serpent de l’Envie, Diane est une géante mesurant 9 mètres de haut et qui manipule la terre. En soit, ce qui m’empêche de classer Diane plus haut, c’est qu’elle est un meilleur personnage que Escanor et Merlin, mais que contrairement aux 5 autres, elle ne « décolle » jamais, ce qui m’empêche de la classer plus haut…

5-Gowther

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Bélier de la Luxure, Gowther est le personnage atypique de service qui prend des poses qu’on croiraient sortis de JoJo’s Bizarre Adventure et rejouant des scènes de livres plutôt que de dormir… Mais Gowther a aussi un pouvoir super badass, celui d’altérer la mémoire… Eh ouais c’est stylé. Mais ce n’est pas son unique atout car Gowther a également un background plus que développé mais… je vais me taire.

4-Ban

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Renard de l’Envie, Ban est un voleur accompli. « Meilleur ami » de Meliodas, qu’il appelle « Capitaine », Ban brille dès le début du manga avec son passé car c’est le premier Sins à être développé. Cependant, côté puissance…. Disons que Ban n’est pas très puissant de base, et qu’il sert juste de gros tank grâce à son immortalité. Mais il reste très cool.

3-Elizabeth

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Princesse de Liones et troisième place du podium en étant le personnage le plus classable comme « waifu ». Pas mal non ? Après bon, un classement sur un site aussi petit que le mien n’a pas d’importance mais sachez que je parlerai peu de Meliodas et de Elizabeth, vu que leur développement est genre le plus important de tout le manga.

2-Meliodas

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Je vais faire encore plus simple que avec Elizabeth: Très bon design+Pouvoirs stylés+Histoire qui défonce=Perso excellent

1-King

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C’est le best du best, point. Il a l’arme la plus stylé (une lance qui vole sérieux), des pouvoirs abusés, et il a un passé super développé…. Voilà.. King est pour moi le personnage le mieux mené du récit, tout en appartenant à une espèce que je trouve honnêtement à la fois adorable et épique. En plus de ça il partage avec Diane le 2ème flash-back le plus important de tout le manga, histoire de bien asseoir sa supériorité. King, t’es le best !!

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L’affiche de la saison 3

Donc au final, devez-vous lire ou regarder Nanatsu no Taizai/Seven Deadly Sins ? Clairement, malgré sa troisième partie qui fait une chute au Purgatoire et le manga qui semble ne plus vouloir finir, oui, lisez Nanatsu no Taizai, il reste l’un des acteurs majeurs de la décennie. Je vous dirais même, au vu de l’arc qui s’annonce, lisez Seven Deadly Sins jusqu’aux chapitres 333/334 en considérant ça comme un épilogue, à moins que Suzuki se surpasse pour nous pondre quelque chose du niveau de l’arc de la bataille de Liones ou du tournoi des 10 Commandements, mais honnêtement, au vu de la qualité décroissante de l’arc de la Guerre Sainte, j’y crois peu. Mais lisez Seven Deadly Sins, et prenez votre pied. Littéralement, car sur la fin, vous aurez probablement envie de vous crever les yeux avec votre gros orteil. Mais pour moi, même si la fin du manga me décevra très probablement, je peux désormais refermer cette page de mon histoire, en me disant que j’ai moi-même corrigé ce que je considérait comme mon Péché, et ainsi avancer la tête haute sans regret.

Merci d’avoir lu cette Amachronique !! Pour rappel, si vous voulez soutenir le site, n’hésitez pas à en parler autour de vous et à vous abonner au blog, que ce soit par email ou par WordPress si vous l’utilisez, ça vous permettra d’être directement au courant si un nouvel article sort.

J’en profite également pour vous joindre la critique de Floriano (cliquez sur son pseudo) sur les personnages de Meliodas et d’Elizabeth, par contre il spoile jusqu’au tome 28 environ donc attention ! Mais sa chronique et analyse des 2 tourtereaux reste extrêmement. Franchement allez voir ce qu’il fait, c’est quelqu’un donc j’admire énormément le travail.

Amachronique N°3: Steven Universe

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C’est bizarre de revoir les designs du début de la série après 5 saisons….

Aujourd’hui, 3ème Amachronique et à l’occasion du lancement de sa série épilogue ce week-end, on parle de Steven Universe aujourd’hui. Débutée fin 2013 sur Cartoon Network, la série s’est très rapidement fait connaître, pour ses personnages atypiques et ses messages liés à la cause LGBT. Mais pourquoi devez-vous voir Steven Universe, et pourquoi suis-je inquiet à quelques jours du début de sa suite, Steven Universe Future.

Ah et j’utiliserais les noms de la VO afin de désigner les personnages, car pour moi Steven Universe est une série qui se regarde en VO, la VF étant pour moi d’assez mauvaise qualité.

La série nous parle donc de Steven Universe, qui se nomme en fait Steven Quartz Universe DeMayo, fils d’un humain, Greg Universe, et d’une gemme, Rose Quartz.

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Greg et Rose

Bon, avant de continuer, va falloir que je vous explique ce qu’est une gemme. Une gemme est une race extraterrestre qui prolifère dans l’univers entier, en utilisant les ressources des Planètes afin de produire de nouvelles gemmes. Bien qu’elles prennent forme humaine, leur corps physique est en réalité leur pierre précieuse, leur corps humain n’est qu’un hologramme de lumière tangible, selon les dires de Pearl. Les Gemmes ont également d’autres pouvoirs, comme la matérialisation d’armes ou des résistances et affinités élémentaires: Garnet peut résister à la lave, et Péridot contrôler le métal. Steven est donc un hybride gemme-humain, ce qui lui apporte des facultés inédites comme pouvoir résister à des armes qui réduiraient les corps humain des gemmes à néant, ou encore contrôler son âge (les gemmes étant immortelles). Et c’est de là que découle la situation initiale de la série: Steven vit avec des gemmes, qui ne comprennent pas sa puberté humaine (Steven a 14 ans) et son père, avec qui il s’amuse, ne comprend pas l’émergence de ses pouvoirs de gemmes. D’ailleurs, pas mal d’épisodes, surtout dans la saison 1, consisteront en l’éveil d’un nouveau pouvoir que Steven devra maîtriser afin de se sortir d’une situation souvent….. embarrassante, comme se coincer dans une bulle avec sa nouvelle amie, Connie, qui deviendra un personnage principal, se transformer en atrocité à 30 têtes de chats, flotter indéfiniment… C’est ce qui fait le charme de la série: des situations simples, et des solutions simples. Steven vit avec les amies de sa défunte mère, les 3 Crystal Gems ( 6 à la fin de la saison 5), son père gère une entreprise de nettoyage et Steven aime manger, mais doit aussi apprendre à maîtriser ses pouvoirs afin de veiller à la sûreté de la Terre.

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Des personnages plus qu’attachants

Car l’une des plus grandes qualités de Steven Universe, c’est son univers qui est très riche (sans mauvais jeu de mot, s’il vous plaît). Durant les 5 saisons, on en apprend énormément sur le cadre de la série, et le pire, c’est qu’il n’y a pas beaucoup de lieux : 2 lieux terriens principaux, la Lune, Homeworld (la planète des Gemmes) et une station orbitale Gemme. C’est tout, pour près de 150 épisodes. Et on ne s’ennuie jamais, même si près de 80% des épisodes se passent à Beach-City, ville portuaire terrienne, car la série alterne efficacement les situations et les cadres spatio-temporels pour ne jamais donner une impression de déjà-vu. Et c’est vraiment très très cool. L’univers est très bien développé, rien qu’avec la société hiérarchique des gemmes, qui, bien que présentée en vitesse lors de la cinquième saison, reste très cohérente. Et en soit, l’idée d’expliquer tout sur les gemmes très tardivement est bonne, vu que, pendant 4 saisons, on se pose un tas de question comme: « Qui sont ces gemmes qui attaquent la Terre et pourquoi ? » « Quel est le passé de Rose ? » « Pourquoi la Terre semble-elle être si importante pour Homeworld ? » « Quels sont les actes passés des Crystal Gems ? »… Et moi les question sans réponses directes, j’adore.

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La meilleure chanson de la série, « It’s Over, Isn’t It ? »

Mais la série a également 2 autres énormes qualités: ses personnages et les chansons qui en découlent. C’est simple, les chansons facilitent énormément le développement de personnages, que j’ai annoncé plus haut comme étant la plus grande réussite de la série. Car les chansons de Steven Universe sont souvent synonyme de grand changement. Et c’est parti pour un top 3 des meilleures chansons de Steven Universe… non je rigole, d’autant plus que mon top 3 (3:Stronger Than You/2:Only Think about Love/1: It’s Over Isn’t It) n’est pas très original. Mais même si vous n’avez jamais vu Steven Universe et que vous ne voulez pas voir la série, je vous conseille d’aller écouter les chansons sur YouTube, vous en sortirez le sourire aux lèvres (par contre si vous voulez voir la série c’est non, les chansons étant la récompense d’avoir maté 15 épisodes, et qui te motivent pour les 15 suivants). Mais avec les chansons arrivent d’excellentes développements de personnage. Comparer les personnages au début de la série et à la fin, ils n’ont rien à voir. Je ne dirais rien sur les éléments de développement, afin de ne pas vous gâcher la surprise, car voir les personnages évoluer est vraiment plaisant.

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1ère série avec un mariage lesbienne: check !

Mais Steven Universe s’est surtout fait connaître pour les messages que la série véhicule. Car Rebecca Sugar est une féministe engagée et une grande défenseure de la cause LGBT, tout en étant la première femme à créer indépendamment une série sur la chaîne Cartoon Network. Alors vous pourrez dire tout et n’importe quoi sur cette cause, mais je la soutiens, car la discrimination est une aberration. Mais Steven Universe contient quelques messages qui soutiennent la cause LGBT et féministe, déjà, avec l’apparence des gemmes, qui possèdent toutes des traits féminins et surtout avec les fusions, symbolisation magnifique de l’acte de reproduction, ironiquement facilité entre des gemmes, qui comme dit plus haut, ont toutes des traits féminins. Ainsi la fusion renforce le pouvoir des gemmes, en combinant leurs armes.

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Rainbow Quartz 2.0, fusion de Pearl et de Steven: Le bouclier de Steven et la lance de Pearl deviennent un magnifique parapluie

La fusion est donc une excellente idée, car elle permet de donner de l’intérêt aux combats. Car même si la série est une série pour enfants, elle contient quelques combats et des moments assez glauques et perturbants. Et tout ça s’intègre magnifiquement bien au reste de la série. On peut penser à la fin de la saison 4, où Beach-City se vide, ou aux passages dans les KinderGarten ou l’arc du Zoo humain, bien stressants comme il faut.

Mais après la diffusion de la saison 5, plus rien, jusqu’à la Comic Con de juillet où est annoncé la sortie du film pour le 2 septembre 2019, film qui se passera 3 ans environ après la saison 5, et qui mettra en scène Spinel, personnage qui a un antécédent avec Rose (comme 100% des méchants de la série). Si le film sera très apprécié, pour ma part c’est non, car il ne fait que retracer le passé des Gems, tout en introduisant une antagoniste très cool et badass, QUI RESSEMBLE À MICKEY ET EST GENTILLE PENDANT 85% DU FILM !!!!! Puis suivra l’annonce, fin septembre, de Steven Universe Future, série épilogue qui commencera le 7 décembre, mais qui non seulement me laisse de marbre et qui me fait peur, voici pourquoi.

ALERTE SPOIL, POUR LA SUITE JE VAIS SPOILER LA SÉRIE, SI VOUS NE VOULEZ PAS ÊTRE SPOILER, AVANCER JUSQU’À LA FIN DU TOP:

4 raisons qui font que je suis inquiet pour Steven Universe Future:

4-Des Antagonistes connus pour la plupart:

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Jasper, la fusion de Aquamarine et de Eye-Ball, des Cactus-Steven, 2 Lapis, ce que j’appelle Crimson Diamond et un ver.

Ce qui était cool avec la série originale, c’est que les méchants étaient tous très réussis, et dès leur introduction, le ton était posé: l’arrivée de Jasper qui poof Garnet en un coup, Garnet qui était la seule Gemme à ne pas avoir été pouffé, Aquamarine qui a vaincue les Crystal Gems sans le moindre effort, et surtout les Diamonds. Et en plus de ça, leur design était pesant, et on attendait de découvrir leurs pouvoirs. Sauf que là, on connait les pouvoirs de Jasper sur les bouts des doigts à force, la fusion d’Aquamarine et de Eyeball, appelons là Eyebamarine, aura probablement les pouvoirs des ses deux gemmes, Crimson Diamond, vu son design, est une alter-ego de White Diamond et les Lapis, bah c’est des Lapis donc maîtrise de l’eau. Résultat, il reste 2 ennemis vraiment inconnus niveau capacités, et bizarrement c’est ceux qui semblent être les moins intelligents: les Cactus-Steven et le Ver…

3- Comment les personnages vont-ils évoluer ?

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Si la série originale s’était terminée à la saison 5, c’est qu’il y a une raison: le développement des protagonistes, pierre angulaire de Steven Universe, était arrivé à son terme: Steven avait, en un sens, surpassé sa mère, Amethyst avait trouvé sa place dans le monde, Pearl s’était affranchie et vivait pour elle-même, Ruby, Sapphire et Garnet étaient plus que jamais liées, Peridot et Lapis avaient définitivement tournées la page pour devenir des Crystal Gems et Bismuth avait laissé de côté ses différents avec Rose…. Et vu que Steven Universe sans développement de personnage massif, ce n’est pas Steven Universe, Future risque de prendre le même chemin. Mais comment voulez-vous encore plus développer ça ? Steven Universe présentait des personnages qui avaient du développement (Steven cherchait à connaître sa mère, Pearl était encore en deuil, Amethyst n’avait pas confiance en elle). En soit le seul personnage qui semblait « parfait » était Garnet, jusqu’à la fin de la saison 1 où son développement a vraiment commencé avec la révélation de son origine de fusion.

2- Future reprend le cadre de Steven Universe: The Movie, que je n’ai pas du tout aimé:

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Ouais je sais, je dois être l’un des seuls à dire ça, mais je n’ai pas aimé Steven Universe the Movie. Et c’est un avis que j’ai développé après plusieurs visionnages. Si l’idée du bond dans le temps n’est pas mauvaise, et si en soit, le personnage de Spinel est excellent, le fait que les 3/4 du film consistent à retracer le background des Crystal Gems m’a fortement déplu, comme si le film n’était qu’un immense résumé pour introduire Future, et en plus de ça les musiques sont franchement bof, alors que c’est une des qualités de la série originale. Donc bon, commencer une série épilogue qui se place dans un cadre que tu n’a pas apprécié précédemment, ça aide pas.

1- Y’avait-il besoin d’un suite ?

Dessin originaire du site https://steven-universe-fantasy.net
qui hébergeait Steven Universe, Infinity Train et Star Butterfly avant sa « fermeture »

Parce que oui, est-ce que Steven Universe avait besoin de continuer ? Pour moi non, la saison 5 bouclait à la perfection la série, le régime des Diamonds était aboli et Steven propageait son idéologie de respect envers toutes les races. J’en parlais plus haut avec le développement des personnages, mais j’ai peur que Future n’apporte que des informations qui vont nous sembler superflues ou inutiles… La plus grande menace du monde de Steven Universe est vaincue, la Terre est en paix, MÊME JASPER AVAIT L’AIR APAISÉE. Je ne vois pas où une suite pourrait nous amener, et c’est un problème.

FIN DU SPOIL

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Steven Universe m’a marqué. La série m’a faite sourire, pleurer, rire et surtout a consolider une amitié, amitié qui est encore dans mon cœur aujourd’hui. Je vous conseille la série, de la première minute de la saison 1 jusqu’à la fin du générique de fin de « Change Your Mind » épisode final de la saison 5. Je regarderai Future, mais je pars avec une boule au ventre, de voir que cette série n’a pas eu de conclusion au moment rêvé

Amachronique N°2: Fullmetal Alchemist

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Ces deux personnes illustrent mon entrée dans le monde des passionnés du manga

Aujourd’hui, on parle DU manga. DU manga qui m’a fait devenir un vrai passionné et de celui que je pense être l’un de mes mangas préférés, car contrairement aux jeux vidéos, lorsqu’on me demande quel est mon manga préféré, je n’arrive pas à avoir de réponse claire. Fullmetal Alchemist est par contre l’un des mangas qui m’a le plus marqué. Ce manga nous conte l’histoire de deux frères, Edward et Alphonse Elric, tout deux alchimistes, qui parcourent le pays d’Amestris à la recherche de la pierre philosophale, qui pourrait leur permettre de récupérer ce qu’ils ont perdus à la suite d’une expérience, d’une transmutation ratée. Edward y a laissé sa jambe gauche tandis qu’Alphonse a perdu la vie, cependant Edward a par la suite sacrifié son bras droit afin de ramener l’âme de son frère. Le manga a donc comme cadre une réalité plus qu’alternative, puisque les seul points qui rattachent le monde de FMA au nôtre sont tout d’abord les dates (l’histoire se passe au début du XXème siècle) et certains événements qui trouvent leur équivalents chez nous, mais aussi les origines ethniques des personnages, si ceux originaires d’Amestris font clairement allemand-européen, il arrivera de trouver des personnages qui peuvent faire penser à des peuples bédouins, d’autres qui rappellent les peuples d’Asie de l’Est. On trouve même une référence à l’histoire perse. Hiromu Arakawa, la mangaka maîtrise son sujet et ça se sent. Oui, j’ai bien dit LA mangaka (même si elle a changé son nom d’Hiromi à Hiromu pour son pseudonyme, de peur que son manga se vende peu à cause de son genre). Ah et avant de commencer, je vais quand même un peu beaucoup spoiler. Lisez FMA, le manga s’est fini il y a quasiment 10 ans ou regardez FMA: Brotherhood

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Hiromu Arakawa, ou plutôt Hiromi Arakawa, la géniale auteure derrière FMA, qui se représente…. en tant que vache.

Mais revenons à nos alchimistes. Avant de (enfin) commencer à parler du manga, sachez que avec 70 Millions d’exemplaires vendus, Fullmetal Alchemist est le 27ème manga le plus vendu de l’histoire, ce qui est une très belle performance, étant devant des classiques comme GTO, Dragon Quest: Fly, City Hunter, Fairy Tail et en étant au même nombre de ventes que Kenshin le Vagabond. Mais pourquoi FMA a t’il autant marché ? Et bah ça c’est grâce aux nombreuses qualités du manga, car Arakawa est une excellente mangaka.

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Comment faire des designs qui sortent de l’ordinaire? Avec des bras robots pardi !!

Tout d’abord, parlons de l’univers de la série qui est très riche. Comme dit plus haut, Amestris se veut être un alter-ego de l’Allemagne du début du XXème siècle. On retrouve cependant quelques notions qui nous rappellent inconsciemment l’Allemagne Hitlérienne. On peut penser au président King Bradley, qui est aussi nommé Führer ou encore au massacre Ishbal. Si ces deux éléments peuvent également rappeler l’Allemagne du début du XXème siècle (Führer est un titre politique allemand qui existait avant Hitler, et le massacre Ishbal peut rappeler le génocide arménien), dans l’inconscient collectif, Führer sera immédiatement associé à Hitler et un massacre organisé par un pays faisant référence à l’Allemagne fait penser à la Shoah. Mais je divague. FMA a donc un univers solide, qui fait référence au nôtre, tout en amenant plusieurs éléments fantastiques. Si on pense directement à l’alchimie et ses équivalents, personnellement, je pencherai plutôt pour les auto-mail, prothèses métalliques parfaites qui sont capables de remplacer un membre à la perfection. C’est d’ailleurs des deux automails d’Edward que lui vient son surnom d’alchimiste: le « Fullmetal Alchemist » (l’alchimiste d’acier). Et ce n’est qu’une des nombreuses notions de l’univers de FMA. Arakawa arrive à développer un univers réaliste (en prenant en compte les variable x et y que sont l’alchimie et les automails) à le faire évoluer en 27 tomes, tout en développant ses personnages. On peut penser aux règles de l’alchimie (cercle de transmutation pour pratiquer, interdit de créer de l’or et des humains,….), ou encore au contexte géo-politique d’Amestris, très bien décrit dans le manga, et même l’histoire du pays, c’est pas beau tout ça ? Ce qui m’a aussi beaucoup marqué dans FMA, c’est que contrairement à d’autres mangas que j’avais pu lire (Dragon Ball et One Piece à l’époque), FMA introduit ses antagonistes dès le début: les 7 homonculus.

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Si l’idée est peu originale (7 péchés capitaux) l’utilisation est excellente

FMA a donc pour ennemi les homonculus, qui sont au nombre de 7 (sans compter le 8ème, le boss final), pour les 7 péchés capitaux. On trouve donc:

  • Lust, Homonculus de la Luxure: la seule femme du groupe, et généralement l’une des stratèges. Toujours flanquée avec Glutonny. Peut allonger ses ongles pour en faire des lance, d’où son surnom « Lance Ultime ».
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  • Glutonny, Homonculus de la Gourmandise: Petit gros chauve et qui a pas l’air très futé. Peut manger tout et n’importe quoi et est même capable d’ouvrir une porte vers une dimension parallèle
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  • Envy, Homonculus de la Jalousie: Homonculus a l’apparence androgyne et aux cheveux verts. Peut prendre l’apparence de n’importe qui et de n’importe quoi. Sa véritable apparence est celle d’une chimère, ou d’un ver quand il n’a plus d’énergie dans sa pierre philosophale
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  • Sloth, Homonculus de la Paresse: Montagne de muscles qui parle peu et se plaint de la difficulté de la vie et de combien il a « envie de se reposer ». Ironiquement, c’est l’homonculus le plus rapide.
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  • Greed, Homonculus de l’Avarice: Apparence normale, si on exempte ses dents pointues. Peut créer un bouclier de mercure incroyablement résistant autour de son corps.
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  • Wrath, Homonculus de la Colère: Homonculus le plus jeune, possède un incroyable talent à l’escrime et une vision parfaite.
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  • Pride, Homonculus de l’Orgueil: Aîné parmi ses frères et soeurs. Capable de manipuler son ombre pour en faire un monstre terrifiant
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Cet 7 Homonculus sont tous issus du corps de « Père », tel qu’ils le nomment. Et ce qui es vraiment cool, c’est que chacun d’eux a un développement. Bon sur certains c’est plus prononcé que d’autres (Envy et Greed par exemple) et le problème, c’est qu’un Homonculus meurt très, très tôt dans l’histoire (environ au tome 7 je crois), ce qui lui empêche tout développement (là où les autres homonculus meurent tous dans les tomes 21 à 27). Car oui, Arakawa gère à la perfection ses personnages et même certains que on pourrait penser inutile apparaissent au final très souvent dans le récit. Car passé le tome 18-19 et l’arc de la Forteresse du Nord, aucun personnage n’est introduit et tous convergent vers un unique point: Central City, capitale d’Amestris et accessoirement repaire des homonculus.

Mais il serait hypocrite de parler de FMA sans parler de ses animes. Et j’ai bien dit SES animes. Fullmetal Alchemist est donc l’un des premiers mangas à avoir été adapté en 2 animes différents, l’un sorti en 2003 et juste nommé « Fullmetal Alchemist » et l’autre sorti en 2009 et nommé « Fullmetal Alchemist: Brotherhood ». Chaque anime a même un film d’animation qui lui est rattaché, le premier « Fullmetal Alchemist: Conqueror of Shambala », qui fait office d’épilogue au premier anime, est sorti en 2005 et le deuxième « Fullmetal Alchemist: L’Etoile sacrée de Milos » ,sorti en 2011,fait office de filler à Brotherhood. Mais alors, pourquoi 2 animes pour un seul et même manga ? Surtout que contrairement aux animes récents, qui ont abandonné le format fleuve à la One Piece ou Naruto (dans le Jump, seul Black Clover et One Piece ont un anime de ce format, pour une qualité par forcément omniprésente) pour un format saisonnier, à la My Hero Academia, Shingeki no Kyojin ou Seven Deadly Sins, Fullmetal Alchemist possède 2 animes, totalement dissociable entre eux. La raison est simple. Le premier anime, sorti en 2003, a commencé sa diffusion alors que le manga ne disposait que d’une vingtaine de chapitres (parution en mensuel oblige). Résultat, l’anime a très vite rattrapé le manga, et il est donc parti dans de l’inédit. Ici pas d’homonculus issus du corps de Père, leur cheffe s’appelle Dante et les homonculus sont ici crées à la suite de transmutation humaines ratées, contrairement au manga et à Brotherhood où les homonculus sont crées à partir d’une pierre philosophale, qui contient une partie de l’Essence de Père.

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De gauche à droite: Lust, Glutonny, Envy (identiques au manga), puis Pride (qui est Wrath dans le manga) puis Wrath et Sloth (inédits) et enfin Greed (identique)

Et en soit, l’idée, bien que faisant plus solution de secours que véritable volonté artistique, est très bonne. Vois un univers être développé différemment que comment l’auteur l’avait prévu est très sympathique à suivre. Et c’est en soit un concept que j’ai très peu vu, à part pour Ao no Exorcist qui était dans le même cas que FMA lors de la diffusion de sa saison 1. L’idée permettrait de donner encore plus d’impact aux adaptations de manga du style « Alors c’est cool hein ? Sinon tu peux vois comment l’auteur a encore mieux développé l’histoire que nous. » (surtout que j’ai beaucoup de mal à suivre des animes dont j’ai déjà lu l’histoire en manga. Les seul anime que j’ai bien regardé sont Go-Toubun, No Game No Life, les 2 premières parties de JoJo et HunterXHunter. Et j’ai très peu, voir aucun de tomes papiers de ces œuvres dans ma mangathèque.). Surtout que FMA 2003, on va l’appeler comme ça, arrive à très bien développer un univers parallèle à FMA, et certaines idées sont même meilleures, notamment la transmutation humaine, qui sert d’élément déclencheur dans le manga et qui a trop peu d’impact, surtout quand la quasi-totalité de ceux qui l’ont pratiqué se sont reconstruits. Ici il n’est pas rare de voir le transmutateur faire face à sa propre « création » (Sloth est dans FMA 2003, le fruit de la transmutation de Edward et Alphonse, elle a donc l’apparence de leur mère). Je vais m’arrêter là, on ne va pas entrer dans le débat « FMA 2003 VS Brotherhood », on gardera ça pour plus tard. Mais c’est l’heure du Top de l’Amachronique !!! Alors, plutôt que de vous parler de mes 7 tomes préférés, on va parler des personnages:

Mes 7 personnages préférés de Fullmetal Alchemist:

7- Alex Louis Armstrong:

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Derrière ce physique de baraqué et cette pilosité faciale qui a l’air placée au mauvais endroit se cache un personnage héroïque, mais qui n’en oublie pas ses valeurs. Commandant de l’Armée d’Amestris, Alchimiste d’Etat, il n’a pas monté en grade depuis son entrée dans l’armée (les Alchimiste d’Etat ont un grade de commandant) pour une seule raison: il ne tue pas. En 27 tomes parmi lesquels il doit apparaître dans plus de 20, il ne tue qu’une seule personne: l’Homonculus Sloth, qui avait mis sa sœur et ses troupes en danger de mort. Colosse au grand cœur.

6-Maes Hugues:

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Est-ce qu’un personnage qui meurt très vite peut être l’un de mes préférés ? Et bien oui… Camarade de promotion de Roy Mustang, il est affecté à Central City sous le grade de Lieutenant-Colonel. Il est la première personne de l’armée à deviner le projet des homonculus et que l’armée est en réalité à leur botte. Il mourra des mains d’Envy, qui aura pris l’apparence de l’une des deux personnes qu’il chérit le plus: ne connaissant pas l’apparence de sa fille, il prendra celle de sa femme….

5- « Scar »:

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Tout d’abord antagoniste, il passera par la force du destin du bon côté de la force (ou du bon côté de l’alchimie….). Seul survivant officiel du massacre Ishbal (y’en a d’autres en fait), il voue une haine sans nom aux alchimistes d’Etat, qui sont en grande partie responsable de la désolation qui règne désormais sur sa région natale. Il ne maîtrise qu’une seul partie de l’alchimie: là où celle-ci nécessite la destruction et la reconstruction, Scar s’est spécialisé dans la destruction. Mais malgré tout, il est plus qu’attachant et surtout, il finit bien !!

4- Edward Elric:

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Ouais le héros n’est que 4ème, mais y’a une raison simple. Mon problème avec Edward, c’est que certes il évolue énormément, rien qu’en apprenant la véritable nature de la Pierre Philosophale, mais que je trouve que 3 autres personnages sont mieux menés que lui. Mais à part ça je l’aime beaucoup hein…

3-Roy Mustang:

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Déjà qu’il manie une alchimie qui pète la classe (l’alchimie du feu), qu’il est le seul personnage de la série a avoir tué un Homonculus et poussé l’autre au suicide, il faut qu’il ait un développement excellent. Mustang commence donc en tant que Colonel un peu je-m-en-foutiste à East City avant d’être transféré à Central et d’assister à la mort de son meilleur ami Hugues. Suite à ça Mustang commencera a relier tous les événements pour détecter la piste des Homonculus et complotera contre eux. Finalement ça se retournera contre lui lorsqu’il sera forcé par Pride a effectuer la transmutation humaine, pour devenir l’un des Sacrifices (alchimistes qui ont emmagasiné des connaissances et de l’énergie dans l’au-delà et qui peuvent faire de l’alchimie sans cercle), mais il deviendra aveugle…

2- Greed Yao:

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C’est de cette manière que je nomme le deuxième Greed de l’histoire, qui s’est approprié le corps de Ling Yao. Au départ bien plus fidèle à Père que son aîné, son avarice infinie ramènera ses anciens souvenirs à la surface et il finira par s’allier avec Edward, devenant le seul homonculus a être du côté d’Amestris… Il s’adoucira progressivement (tout en restant un homonculus hein) pour finalement prononcer ceci lors du combat final: « J’ai toujours voulu avoir des amis comme eux… »

1-Alphonse Elric:

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Oui bon c’est pas très original, mais j’adore Alphonse. Non seulement son design est super cool, mais en plus de ça il évolue et contrairement à Edward, sa puissance augmente également !! Et puis il adore les chats qu’est-ce qu’il vous faut de plus ?

En plus de ça, FMA prend le temps de se finir. Et ça c’est vraiment très bien. Contrairement à des mangas où les fin est baclée ou rushée, ou encore d’autres où on risque de voir la fin dans 10 ans minimum, FMA se boucle en 27 tomes, soit une soixantaine d’épisodes pour FMA Brotherhood et une cinquantaine pour FMA 2003 plus son film qui fait office d’épilogue.

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Le boss final a un soleil dans la main…. Et le pire c’est que c’est cohérent

Pas de nouvel ennemi, pas de retournement de situation: Les 7 homonculus, L’homonculus Originel et basta. FMA ne s’éternise pas et surtout, il donne une fin plus qu’ouverte, mais qui est surtout satisfaisante. Et ce qui est drôle, c’est que si Alphonse récupère son corps, Edward, lui, ne récupère que sa jambe. Et si il déclare vouloir faire plaisir à Winry, on comprend très vite que c’est pour se souvenir de cette aventure, comme si Arakawa elle-même nous demandait de ne pas oublier FMA au fur et à mesure que les limbes du temps absorbent notre mémoire.

Côté produits dérivés, FMA a été adapté en douze jeux vidéos, sortis sur PS2, GBA, DS, Wii et PSP. On peut également retrouver 2 jeux de cartes, nommés humblement « Fullmetal Alchemist: Alchemic Card Battle VGC » et « Fullmetal Alchemist: Trading Card Game », mais aussi 6 romans d’histoires originales. Elle est pas belle la vie ? Sauf que bon, nous, ont a eu que les romans. Les jeux vidéos ne sont sortis qu’au Japon et de même pour les jeux de cartes. Et vu que le succès de la série est finie (en même temps elle s’est finie il y a dix ans), on peut se brosser pour chopper un jeu FMA sur une console actuelle qui sortirait chez nous.

Mais lisez Fullmetal Alchemist. Ce manga m’a fait rêver et me fait parfois encore rêver aujourd’hui lorsque que je regarde les 27 tomes sur mon étagère. Je me souviens de ces 3 années à suivre ce périple, et à attendre frénétiquement mon argent de poche et mon anniversaire pour continuer l’histoire, je me souviens des discussions passionnés que j’avais avec mon meilleur ami de l’époque et que j’ai encore avec l’une de mes amies aujourd’hui (Akyhiap, coucou !!). Je me souviens et je me souviendrai de ce manga comme celui qui m’a fait ouvrir la porte du manga de passionné, qui m’a fait découvrir que le mot manga ne se limitait pas à Dragon Ball, One Piece et quelques dessins animes que mon père regardait. Et aujourd’hui je suis fier d’avoir grandi avec Fullmetal Alchemist. Je suis né trop tard pour grandir avec le club Dorothée et la première génération de Pokémon, je suis né trop tôt pour grandir avec My Hero Academia, Undertale et Ponyo mais je suis né à temps pour connaître l’ascension de FMA et le chérir aujourd’hui pour être le manga qui m’a le plus marqué durant mon enfance.

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Merci du fond du coeur pour avoir lu cette deuxième Amachronique. Sachez que lundi, on fêtera le premier mois du site et que je prépare une mise au point et un bilan de novembre 2019. Je parlerai aussi des Amachroniques et de leur planning, qui va être modifié. Et puis si vous avez aimé l’article, n’hésitez pas à en parler autour de vous afin de faire grossir la communauté du site… Bonne soirée ou journée à vous !!